Seda y teja: la tradición de la mantilla en Semana Santa.

Hoy, Jueves Santo, serán numerosas las mujeres que dediquen la mañana a visitar Sagrarios con el atuendo que marca la tradición, la mantilla negra. Nosotras, desde Ataurique, queremos acercaros al origen, la estética y el protocolo de este atuendo tan nuestro y que nos encanta.

De origen incierto, algunos fijan su nacimiento en la civilización íbera, pues se han descubierto pequeñas estatuillas prerromanas que muestran mujeres con tocados muy parecidos al aspecto actual de la mantilla. Asimismo, hay quien fija su origen en el velo islámico y, es que aunque estemos hablando de una prenda estrechamente ligada a la religión cristiana, tras ocho siglos de dominio islámico son muchas las reminiscencias que nos quedan a día de hoy.

Exvoto íbero.

Dependiendo del lugar geográfico las mantillas variaban en cuanto al tejido, siendo de tejidos «gruesos» en el norte de la Península y otros más ligeros en el sur. En cualquier caso, en este momento se trataba de un «manto» sin peina cuya finalidad estaba más cercana al abrigo que al embellecimiento de las mujeres que lo portaban.

Aunque su uso era habitual ya en el siglo XVII, no será hasta la siguiente centuria cuando la mantilla se generalice entre la nobleza. Es entonces cuando esta prenda realizada en encaje se posiciona como elemento de distinción que no pasará desapercibida para reinas, nobles y por supuesto para los pinceles de los artistas más cotizados del momento.

En el siglo XIX, durante el reinado de Isabel II, amante del uso de tocados, la mantilla se instaurará como «prenda del momento» entre la reina y sus damas. Siguiendo el gusto de tan augusta persona, las nobles cercanas a la corte, así como las mujeres de la alta sociedad, comenzarán a utilizar la mantilla en diferentes actos sociales de índole religiosa o no. La mantilla entonces se va a imponer como símbolo de «lo español» y llegados a este punto, me parece de interés y necesario hacer alusión a «La Rebelión de las Mantillas». Entre los días 20, 21 y 22 de marzo de 1871, la princesa Sofía Troubetzkoy (de apellido nada español) encabezó una serie de manifestaciones llevadas a cabo por mujeres aristócratas ataviadas con mantilla defendiendo la estética típicamente española y su apoyo a la Casa de Borbón frente al reinado de Amadeo de Saboya.

Reina Isabel II. Federico de Madrazo.

A finales del siglo XIX y principios del XX, la mantilla quedó relegada a un uso menos cotidiano pasando a usarse el pequeño velo con el que las mujeres cubrían su cabeza para ir a misa y que se usaba sin peina. No obstante, la mantilla seguía siendo un tocado signo de distinción y elegancia. Y es que si hubo una reina elegante, fue ella, Victoria Eugenia.

A día de hoy, parece que su uso vuelve a ser habitual en Semana Santa, donde cada vez más chicas jóvenes se animan a vestir un atuendo tan nuestro y que tanto realza la belleza femenina. Su uso no está solo limitado a la Semana Santa, en las bodas, su numerosas también las madrinas que acompañan al novio ataviadas con mantilla y teja. En estos casos, la mantilla suele ser negra, pues es este el color protocolario para su uso religioso. En el caso de la mantilla blanca, su uso queda relegado a las corridas de toros.

A continuación compartimos con vosotros algunas de las imágenes de principios del siglo XX que hemos extraído del Archivo Fotográfico Municipal.

En cuanto al protocolo… ¿sabemos cómo colocar la mantilla de manera correcta? A continuación te contamos cómo.

Lo primero, queremos recordar que nos estamos refiriendo al uso de las mantillas durante la Semana Santa, por tanto hablamos en todo momento de mantilla negra. Es necesario contar con 18 años para vestir la mantilla, para ello, el vestido debe ser negro, sin grandes escotes, no muy ceñido y por debajo de la rodilla, nunca mucho más corto que justo por encima de la rodilla. Asimismo, la mantilla no debe sobrepasar el largo del vestido. En cuanto a la teja,es conveniente que elijas una que se adapte a tus facciones y estatura, pues no todas tienen el mismo ancho ni la misma altura.

Por último, es importante saber que el Jueves Santo la mantilla ha de dejar la cara y el pelo descubiertos. En cambio, el Viernes Santo en señal de duelo, la blonda ha de cubrir la frente al menos entre 2 ó 3 centímetros.

Si quieres saber estas curiosidades y otras muchas más no dudes en elegir Ataurique, Gestión Cultural para tus visitas guiadas.

La Saeta. Julio Romero de Torres.

+info: imágenes procedentes de Museo Nacional del Prado, Archivo Fotográfico Municipal y Pinterest.

Los 7 puñales de la Virgen de los Dolores

Hoy es viernes de Dolores, día en el que celebramos en nuestra ciudad (Córdoba) la onomástica de las Dolores, Mª Dolores, Lolas, Lolis, etc., aunque realmente se celebra litúrgicamente el 15 de septiembre, después del día de la fiesta de la Exaltación de la Santa Cruz, debido a que esta advocación de la Virgen está directamente relacionada con los momentos de Pasión de Cristo. Este día es también tradición para muchos cordobeses y cordobesas visitar a la que popularmente se conoce como la Señora de Córdoba, la Virgen de los Dolores, a su templo en la popular Plaza del Cristo de los Faroles. Es una de las vírgenes más fáciles de reconocer de toda nuestra Semana Santa ya que muy pocas vírgenes que procesionan en nuestra ciudad van sin palio.

En el post de hoy os traemos el motivo por el que cuando se representa a la Virgen en su advocación de Virgen de los Dolores la encontramos con 7 puñales clavados en el pecho, y porqué su hermandad lleva como icono un corazón con esas 7 dagas clavadas. Pero comencemos por el principio.

La advocación es el modo de referirse a la Virgen María, que siempre es la misma persona, haciendo alusión a los diferentes misterios, apariciones, atributos, circunstancias históricas o geográficas que rodean la devoción de una imagen determinada. Es decir La Virgen del Rosario, representa a María con el niño Jesús en brazos y un rosario en la mano, la Virgen de Fátima representa a María en su aparición en esta región de Portugal, la Virgen del Pilar representa a María con Jesús en sus brazos sobre un pilar o columna, etc.

El ideario religioso mundial reconoce bajo el nombre de la Virgen de Dolores la representación de una mujer en actitud de tristeza con una o siete dagas en su pecho en cual, algunas veces se colocan un corazón. La figura la podemos encontrar de pie, sentada o de rodillada, y en algunas ocasiones, no en esta, puede ir acompañada de elementos alusivos que cuentan de manera gráfica los motivos concretos de su dolor y llanto.

La devoción a esta advocación pasó a los reinos españoles por medio de los reyes Felipe el Hermoso y su esposa Juana, y al hijo de ambos Carlos I de España, quien apoyó su expansión reforzada en una serie de grabados de la Pasión de Cristo realizados inicialmente en la segunda década del Siglo XVI por Alberto Durero.

Las 7 dagas que podemos ver representadas en la advocación de la Virgen de los Dolores hacen referencia a 7 momentos de sufrimiento que vivió la Virgen durante el transcurso de la vida de su hijo.

La primera daga hace referencia al momento en el que María y José presentaron a su hijo en el templo y el anciano Simeón le profetizó «Una espada te atravesará el alma» .

Presentación de Jesús en el templo. Giotto.

La segunda representa el dolor que sufrió María al conocer la noticia de que Herodes quería matar a su hijo, por eso huyeron a Egipto.

Descanso en la Huida a Egipto. Orazio Gentileschi.

El tercer puñal se refiere a la angustia de la pérdida de Jesús en Jerusalén durante la fiesta de Pascua y es encontrado a los 3 días con los ancianos del templo.

Jesús niño en el templo. Paolo Veronese.

La cuarta hace referencia al dolor de María al encontrarse a su hijo camino del Calvario.

El Pasmo de Sicilia o la Caída en el camino del Calvario. Rafael Sanzio

La quinta se relaciona al dolor de la Virgen María al pie de la Cruz.

Calvario de la Inquisición. Antonio del Castillo.

El penúltimo puñal está relacionado con el dolor que sufrió María el momento que recibió el cuerpo muerto de su hijo. (A esta representación también se la conoce como Piedad).

Piedad. William Adolphe Bouguereau.

Y el séptimo y último dolor sería el que sufrió la Virgen junto al sepulcro de Cristo.

Santo Entierro. Caravaggio.

Esperamos que tengáis un buen comienzo de Semana Santa, tenemos la esperanza de que finalmente el tiempo acompañe, que disfrutéis de los pasos a los que le gusta y a los que no, que descanséis del merecido descanso.

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De Florencia a Córdoba


En la facultad era muy frecuente escuchar que en la Mezquita-Catedral podíamos estudiar las características propias de muchos estilos artísticos, desde época romana a través de las columnas y capiteles hasta, por ejemplo, arte neoclasicista.

En este caso os traemos un ejemplo que a simple vista puede resultar baladí, e incluso de escasa calidad, pero con él tenemos un ejemplo de un tipo de pintura muy característica del Renacimiento, aunque como es normal al hablar de Historia del Arte en Córdoba, llegó con cierto retraso a nuestra ciudad.

La obra que hoy os traemos es una pequeña pintura que se encuentra como puerta del sagrario en el banco del retablo del altar de Santa Marta. Representa a la Virgen y al Niño que sostiene una naranja en su mano derecha, acompañados por un rompimiento de gloria en la esquina superior izquierda, en el que podemos ver la paloma del Espíritu Santo rodeada de una luz y cabezas de angelitos. Esta pintura está data del s. XVII. Pero lo que a nosotros nos interesa es lo que aparece detrás de esta imagen principal.

Las arquitecturas pintadas fueron una de las opciones elegidas por muchos artistas para resaltar las figuras que representaban. Con este tipo de fondo conseguían dotar a las figuras de un ubicación creíble a nivel espacial y visual, histórico y también a la moda de la época.

Los desposorios de la Virgen. Rafael Sanzio

Gracias a este tipo de escenas se creaba una perspectiva con la que además de dar profundidad a la obra, servía al artista para demostrara su maestría o destreza en la pintura.

Estos fondos arquitectónicos no tenían porqué presentar fielmente un entorno que se correspondiera con una ciudad en concreto, son en muchos casos “ciudades ideales» que los propios pintores inventaban mezclado edificios reales con otros imaginados para conseguir un punto de vista único, a medida de sus necesidades y gustos. En estas ciudades idílicas reina la simetría, el orden, la nobleza de la arquitectura y la amplitud de los espacios, reflejo del buen gobierno de una sociedad.

La ciudad ideal. Atribuido a Fra Carnevale.

En la pintura que hoy traemos podemos ver lo que parecen 6 edificios, uno que sirve como telón de fondo, 4 que ordenados de forma paralela inciden de forma perpendicular con este primero, y uno en primer plano en el que se encuentran cobijadas las figuras. Al fondo también vemos figuras que habitan ese espacio.

Del último edificio, el que cobija los personajes principales, lo único que podemos percibir es que tiene una logia o balcón creado con varios arcos apoyados en esbeltas columnas. En cuanto a los 4 edificios que forman el lateral derecho, podemos ver que reúnen las características propias de los edificios renacentistas, de fachada rectangular ordenada en 3 o 4 plantas con columnas, arcos, arquitrabes, conjuntos escultóricos y rematados con sus cornisas.

Pero el que más ha llamado nuestra atención es el edificio del final, el que marca el fondo. Es el único que posee bóveda, y no una cualquiera, sino una de las obras que marcarán el Renacimiento. Santa María de las Flores, la Catedral de Florencia, tiene una cúpula que logró culminar Brunelleschi en 1.436, y que de manera más o menos fiel vemos representada en este cuadro. Podemos ver una cúpula de color marrón con nervios blancos y bajo ella una serie de muros que crean un espacio poligonal decorados con óculos.

Esta cúpula en el momento en que se construyó marcó un antes y un después en la Historia del Arte. Se convirtió en el emblema de una floreciente y vanguardista ciudad bajo el mando de Lorenzo de Medici, en la que se estaban desarrollando genios como Ghiberti, Donatello, Boticelli, Piero de la Francesca o Alberti.

Vista de la cúpula de Santa María de las Flores, Florencia

El hecho de que el artista de nuestra pintura escogiera este edificio no es para nada trivial, era un edificio del que todo el mundo hablaba, referenciado en todos los tratados de arquitectura de la época, una obra única en el momento y cualquier pintor la tendría dentro de su repertorio a través de estampas o tratados.

Bocetos vistas arquitecturas con la cúpula de Sta. María de las Flores.

Este hecho es el ejemplo perfecto del flujo de material pictórico que viajaba por Europa en este momento, que hace posible que cualquier artista, sea cual sea su calidad, pueda estar «al día» en la moda y gustos de la época.

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La mujer en al-Andalus: Lubna de Córdoba

Siempre bajo la sombra de la autoridad islámica y en una estructura social patriarcal, la mujer andalusí libre disfrutó de una gran consideración en comparación con su homóloga oriental. Disfrutó de un ambiente más liberal que incluso es comparado con el papel cultural y literario de la mujer en la literatura francesa en los siglos XVII-XVIII.

Esta realidad no es comprensible si no se ve dentro de un marco social en que su libertad (hasta cierto punto) iba más allá de lo que se creería, y el acceso a la enseñanza y oportunidad para expresarse (dentro de unos límites) llegaron a un nutrido grupo de mujeres.

Fresco en el que aparece una mujer del Qasr Amra, Jordania.

En el caso de la mujer musulmana en el territorio andalusí, se consiguieron ciertos derechos de igualdad de oportunidades, al contrario de lo que podría ocurrir en otros territorios. Desgraciadamente son muy poco los documentos que nos hablen sobre la mujer andalusí, pero tenemos nombres de mujeres que cultivaron la medicina, la jurisprudencia, la caligrafía, el canto y la poesía (El grado social que alcanzó la mujer andalusí fue considerable, lo que conllevó a la aparición de hasta 60.000 poetisas). La mujer andalusí se encontraba con los hombres en las aulas de enseñanza, salía para visitar las mezquitas y paseaba por los parques en compañía de sus esclavas. No era presa de su hogar, sino que trabajó en muchos ámbitos y participó activamente en la construcción de la sociedad andalusí. Aunque obviamente su papel no estuvo, ni mucho menos a la misma altura que el del hombre.

La mujer desempeñó un papel importante como formadora, educadora y transmisora de la cultura y los valores sociales. La familia, como el resto de la estructura social, era patriarcal. El padre era el responsable de cubrir todas las necesidades de manutención de la familia, aunque si no lo cumplía era repudiado por parte de la sociedad y sobre todo por sus más allegados. Es interesante ver como en la familia andalusí no diferenciaba en su nacimiento entre niño y niña. Tenemos los versos de Ibn Amar al-Sair para felicitar a al-Mutamid Ibn Abad por el nacimiento de dos gemelos de diferente sexo.

…te felicito por tus dos hijos, niño y niña
la luz del sol y de la luna es la misma.

El ambiente cultural de la Córdoba califal, cosmopolita, mestizo y con ciertos aires de libertad, permitieron la aparición de destacadas mujeres en diferentes campos de la sociedad.

Mujeres andalusíes. Miniatura del Códice de las Cantigas de Alfonso X el Sabio

Una de todas esas poetistas andalusíes de las que se tiene noticia, fue Muhya Bint at-Tayyaní al-Qurtubiyya (s. XI). Su origen era bastante humilde, era hija de un vendedor de fruta. No sabemos en qué circunstancias conoció a la princesa Wallada, quién se preocupó de que Muhya tuviera una buena educación, hasta el punto que aprendió el arte de la poesía, que empleó para satirizar a su protectora. No tenemos por qué ver estos versos como muestra de celos o despecho, sino porque el uso de la sátira tenía mucha aceptación entre los poetas. En su poema a la princesa, usa su nombre Wallada = la que da luz, con alusiones sexuales.

Wallada ha dado a luz y no tiene marido,
se ha desvelado el secreto,
ha imitado a María
mas la palmera que la virgen sacudiera
para Wallada es un pene erecto.

Continuando con la princesa Wallada, podemos decir que en el libro El Collar de la paloma de poeta Ibn Hazm, podemos ver cómo se analizan los sentimientos amorosos y del comportamiento de los amantes con un protagonismo de la mujer, además de encontrar una lista de diferentes profesiones realizadas por mujeres, como curanderas o médicas, comadrona, aplicadoras de ventosas, vendedoras ambulantes, peinadoras, plañideras, cantora y maestra de canto, hilandera, tejedora, etc. De estos oficios tenemos solo algunas referencias, pues al ser trabajo de clases populares no merecieron ser descritos ni registrados con mayor detalle.

Tampoco tenemos noticias del mundo rural, donde la participación femenina en las tareas agrícolas y en la producción es fundamental y equiparable a la del hombre, aunque sus tareas estuvieran diferenciadas.

El propio Ibn Hazm recibió su educación a manos de mujeres en el palacio de su padre, y cuenta que creció entre mujeres, no trató con hombres hasta la mayoría de edad y de ellas aprendió el Corán, poesía y ortografía. En sus textos nos describe algunas anécdotas de su entorno. Cuenta, en relación con el uso del velo, que fue a visitar a una conocida mujer, cuya hija era joven. Él se hospedó tres días en casa de la mujer y la hija no vistió en ningún momento el velo islámico durante esos días, ya que las costumbres no exigían tal conducta.

No debemos olvidar los ejemplos que tratan de las mujeres esclavas a las que se le daba una formación cultural que no solo incluía la música y la danza, sino también la literatura, filosofía, ciencias o la caligrafía. Su función era, obviamente, la de adornar los palacios de la aristocracia y, por supuesto, la de satisfacer los deseos de sus amos. Aún así, su preparación y su condición social les permitió una cierta capacidad de actuación que muchas de ellas supieron utilizar en su propio beneficio, obteniendo incluso ser manumitidas y alcanzando una posición social elevada.

Las mujeres musulmanas de al-Andalus, practicaron funciones públicas, fueron dirigentes religiosas y portavoces de la comunidad, aunque siempre restringidas a ciertos círculos y con unos límites claros. En las Crónicas se habla de mujeres que impartieron justicia, entre ellas destaca una jurisconsulta que era mujer del Cadí de Loja, una mujer tan brillante que superaba en los dictámenes a los propios ulemas. Su conocimiento del derecho malikí era tan grande que a ella acudían los estudiosos para aprender, su marido, que ejercía como juez, nunca daba las resoluciones de los casos que se le presentaban en el acto, antes los consultaba con ella.

Uno de los sabios de la religión Abd Allah Inb Ismail fallecido en 1085, afirmó que fue discípulo de dos mujeres andalusíes, lo que indica que, al menos en algún caso, el rango de la mujer en al-Andalus llegó al de maestra o sabia, que examinaba a los estudiosos de la materia e impartía clases.

Algunas profesiones muy curiosas son las relacionadas con las celebraciones de fiestas y bodas, como son la de peinadora, depiladoras, tatuadoras y bailarina, que, aunque no gozaban de respeto social ni religioso por estar maldecidas por el Profeta, seguían trabajando y no lograron detener sus prácticas. También las plañideras fueron unas mujeres poco “correctas” dentro de la sociedad, ya que estas mujeres contratadas para llorar, gritar y golpearse el pecho y el rostro durante un funeral, alteraban el orden público, por alzar la voz y correr por las calles con el rostro descubierto, sin respetar el recato y silencio propio del comportamiento público de una mujer.

Uno de los aspectos más negativos de la influencia política de la mujer en las altas esferas del poder, era influenciar sobre la sucesión al trono de los hijos, sobre todo las esclavas más cercanas al califa, con lo que aumentaron las intrigas y los espías de la corte. Es muy conocida la historia entre Maryam y Fátima bint al-Mundir, y la noche en la que la primera consiguió que su hijo al-Hakam fuera el heredero al trono, saltando al primogénito, de sangre árabe e hijo de Fátima, o el caso de Subh, mujer de al-Hakam II, a la que la Historia siempre la ha descrito como débil, caprichosa, embaucadora, y finalmente derrotada por aquel a quien tanto benefició (Almanzor). Algo totalmente incorrecto, ya que las fuentes siempre nos dicen que Subh ejerció un papel de gran importancia en la escena policía cordobesa, actuando por iniciativa propia en multitud de ocasiones. A partir de la muerte del califa al-Hakam II hasta la ruptura de Almanzor, Subh ejerció un poder político real, aunque progresivamente amenazado por la dificultad de su posición. Su propósito siempre fue preservar la herencia de su hijo.

Otro fenómeno que demuestra la gran consideración hacia la mujer andalusí, en este caso perteneciente a las clases reales, es que muchas de ellas, libres o esclavas, sufragaron con su propio dinero construcciones como acueductos, mezquitas, acueductos, y dieron nombre a algunos cementerios como Mumara, mujer de al-Hakam I.

 

Queremos terminar este post, viendo la figura de Lubna de Córdoba, aunque podríamos haber escogido otra, nos ha parecido un personaje muy curioso ya que cuando hablamos del “Humanismo” que creció en la corte califal en el siglo X, siempre se nombran a personajes masculinos.

Obra de J. L. Muñoz. Casa de  Sefarad de Córdoba

Lubna fue una intelectual andalusí, de la que desconocemos su fecha exacta de nacimiento o de fallecimiento, ni existen fuentes de la época que nos cuenten su vida. Sólo sabemos que nació en una familia esclava que trabajaba en la corte de Abd al-Rahman III. Su nombre también hace referencia a su procedencia, ya que las mujeres esclavas solía tener nombres de objetos o sentimientos agradables, como Maryan (Coral), Qamar (Luna) o Lubna (Árbol del paraíso que produce una leche dulce).

Tuvo grandes conocimientos sobre gramática, una envidiable caligrafía y fue además conocida por sus poemas, en los que retrató su vida en el alcázar.

Se convirtió rápidamente en una personalidad importante dentro de la corte califal. Consiguió ser manumitida (liberada) y trabajó como la secretaria oficial del califa al-Hakam II, siendo su escriba particular.

Junto con Hasday ibn Shaprut fue la impulsora de la creación de la famosa biblioteca de Madinat al-Zahra, se dice contaba con más de 400.000 volúmenes. Esta biblioteca contenía tratados de Hipócrates, Galeno, Ptolomeo, Arístóteles, etc. Junto a ella se fundó una escribanía y talleres de encuadernación donde trabajaron numerosas copistas. Según las crónicas árabes, en el siglo X se podían encontrar en los barrios de la ciudad más de 170 mujeres que sabían leer y escribir, responsables en copiar los manuscritos más valiosos, un hecho que da una idea de la cultura y el papel de las mujeres durante el califato de al-Hakam II. En ella trabajó mano a mano con Talid, y realizó tareas de copista, crítica y conservadora, por lo que era la encargada de hacer anotaciones, reseñas, etc. Además ideó un novedoso y eficaz sistema de clasificación para los volúmenes.

Sabemos que viajó a Oriente Medio en busca de volúmenes para ampliar la biblioteca califal, estuvo en El Cairo, Damasco y Bagdad, y tradujo algunos de esos volúmenes, ya que contaba con amplios conocimientos de griego, latín y hebreo.

Las fuentes nos cuentan dedicó parte de su tiempo en enseñar a los niños y niñas de la ciudad, se dice que la seguían mientras recitaban las tablas de multiplicar hasta llegar a las puertas del alcázar.

Con la llegada de Almanzor al poder, se deshizo la Gran Biblioteca y se destruyeron obras que trataban temas de filosofía, astronomía, religión, etc., y Lubna se fue de Córdoba. Según las fuentes sabemos que posiblemente se refugió en Carmona y que murió en 984.

Podemos concluir que la “invisibilidad” de la mujer en las fuentes escritas es uno de los problemas que tienen los investigadores del tema, pero que aun así llama la atención el papel de la mujer en la sociedad y la cultura andalusí, donde ocupó un papel más relevante que en Oriente. Es posible verla en muchas esferas de la vida a todos los niveles, pero destaca, especialmente en el campo de la cultura.

Si quieres saber más no te pierdas nuestra visita sobre «Las grandes olvidadas de la historia cordobesa».

Ataurique, Gestión Cultural

 

Bibliografía:

Manuela Marín «Las mujeres en al-Andalus: Fuentes e Historiografía». Árabes, judías y cristianas: Mujeres en la Europa Medieval, Univ de Granada, 1993.

Manuela Marín. «Una vida de mujer: Subh».

Mª Luisa Ávila. «Las mujeres “sabias” en al-Andalus».

Mª Jesús Nadales Álvarez. «Mujeres en al-Andalus». Isla de Arriarán, XXVIII, diciembre 2006.

Mª Isabel Cabanillas Barroso. «La mujer en al-Andalus» IV Congreso Virtual sobre Historia de las Mujeres. 2012.

Muhammad Sayyah Mesned Alesa.»El estatus de la mujer en la sociedad árabo-islámica medieval entre oriente y occidente». Granada 2007.

San Francisco de Asís y el Belén

Estamos en Navidad y son numerosos los hogares que como marca la tradición, colocan su Nacimiento otorgándole el lugar más bello de la casa, donde luzca mejor. Pero… ¿Conocemos el origen de esta tradición? Si la respuesta es no, no puedes dejar de leer este post.

Belén en la Diputación de Córdoba

Italia,1223. En una pequeña cueva de Greccio, San Francisco de Asís conmemora la celebración del nacimiento de Cristo, y para ello, como una representación simbólica del Nacimiento, prepara un pesebre vacío custodiado por una mula y un buey, tal y como aparece en los Evangelios Apócrifos.
Aquella fría noche de invierno se celebró una misa presidida por Il Poverello, quien cantó el Evangelio y realizó la predicación sobre el Nacimiento de Cristo en unas circunstancias tan humildes como las que en se dieron en Belén. Todos los asistentes, reunidos en torno a los animales, que procuraban un poco de calor escuchaban las palabras del Santo cuando se obró el conocido como «Milagro del Greccio», pues Juan de Greccio pudo ver cómo un niño recién nacido ocupaba el pesebre vacío que presidía aquella fría cueva.

Este hecho, que más que un belén podríamos decir que es el precedente de los dramas litúrgicos, se fue popularizando hasta desembocar en la representación de belenes en las iglesias valiéndose de figurillas de terracota, cera o madera. Belenes, que sirvieron de gran ayuda a la predicación de la regla Franciscana, pues la humildad de aquella representación se avenía a la perfección con la regla de estricta pobreza regida por la humildad, la sencillez y la cercanía al pueblo, de tal modo que serán los franciscanos en el siglo XIV los que se valgan del pesebre como elemento de predicación.

Así, el montaje de belenes se fue consolidando como predicación en Italia y pasó al resto de Europa, primero como práctica eclesiástica, después como algo exclusivo de los aristócratas y por último como una costumbre popular.

Sin lugar a duda, Italia es la cuna del Belén. En el caso de España tenemos que esperar al siglo XVIII para conocerlo. Carlos VII de Nápoles, Carlos III de España, gran amante de estas figuras, promovió la instalación de Belenes entre la Aristocracia, llegando a convertirse con el paso de los años en una práctica popular tanto en España como en el continente americano.

Belén Napolitano en el Hospital de la Cruz Roja.

El Belén Napolitano de tipo rococó fue el primero en llegar a España, donde se le llamó Belén a la española. Se trataba de una representación en 3D formada por figuras y escenario, tanto es así que encontramos su procedencia en el teatro de Navidad. En este caso, una escena petrificada en las que las figuras representan los papeles de un argumento basado en el Evangelio.

Aunque esto es un hecho, nos resulta sumamente interesante advertir a nuestros lectores que existen documentos del siglo XIV procedentes de la Catedral de Valencia en los que se informa del mal estado de las figuras del Belén que han de ser reparadas. Así mismo, un siglo antes, parece ser que ya se vendían figuras de Belén en el Universal Camino de Santiago.

Resultan curiosos los Belenes en América, donde llegaron de la mano de los Franciscanos tras la expulsión de los jesuitas. Usados como elementos de evangelización y adaptados al clima de Nuevo Mundo, se da el «Belén anacrónico», pues la fauna y la flora que lo decoran corresponde con la oriunda de allí, donde no debemos olvidar, la Navidad se celebra en verano.

España acogerá la tradición belenista de más que buen agrado y será Barcelona y la «Fira de Santa Llúcia», desde 1786 el mercado referente donde comprar figuras y objetos de belenes. Además de Barcelona, también destacaron en este sentido Murcia y Madrid ya en el siglo XX. Actualmente, los lugares de referencia en España son Cataluña, Andalucía y Murcia.

Belén en el Ayuntamiendo de Córdoba

Diferenciamos dos partes en el Belén, la celeste, desarrollando el milagro que los hombres no podemos percibir con nuestros ojos, y la terrestre, llena de elementos simbólicos que a continuación conoceremos:
– La Mula, se trata del animal que llevó a María encinta a la posada y que más tarde la llevará en la Huída a Egipto.
– El Buey, calienta y cuida al Niño Jesús.
– Los Tres Reyes Magos, representación de las tres raza entonces conocidas así como las edades del hombre.
– Los pastores, el pueblo humilde.
– El uso de paisajes en belenes tiene un claro sentido evangelizador, pues el belén ha de ser visto y comprendido. Aunque lo más normal es un paisaje despoblado, en el siglo XIX, se puso de modo recrear paisajes orientalistas basándose en evidencias arqueológicas, coincidiendo además con la concepción de la arqueología como ciencia.
– Y por último, ¿Sueles poner un río en tu Belén? Si la respuesta es sí, quizá no sepas que su origen es simbólico, pues alude a la Fuente de la Gracia. El agua como símbolo eucarístico, ilumina a la Iglesia triunfante y ciega a la Sinagoga.

Aunque estos son los elementos generales, dependiendo de la tradición o de la zona donde nos encontremos, podemos encontrar un sinfín de figuras, vamos hablar solo de algunas, ya 1ue el mundo del belenismo es inmenso. Antiguamente, era una costumbre común sentar al Niño Jesús en un trono el 1 de enero como Rey de Reyes. Costumbre que se conserva actualmente en América. Otra de las tradiciones era colocar diferentes puestos de mercado, y dependiendo de los productos que aparecían, representaba diferentes meses del año.

Puesto de carne en el Belén napolitano de Cruz Roja.

Es curioso que en la mayoría de Belenes vamos a encontrar a un pastor durmiendo, aunque ahora lo asociamos al descanso nocturno después de un largo día, su simbolismo tiene que ver con la espera de la humanidad hasta el nacimiento de Jesús.

No podemos olvidarnos de «caganer» tan tradicional de Cataluña. Esta figura nació a finales del siglo XVII cuando el realismo más exagerado era la moda belenista. Se suele colocar en un lugar discreto y aunque no se sabe con exactitud la razón de poner está figura en el Belén, se cree que él fertiliza la tierra y trae prosperidad y buena suerte en el año venidero.

Belén de Pablo García Baena en Bodegas Campos.

Con el «caganer» terminamos esta entrada, deseando que paséis una Feliz Navidad y comencéis un próspero año nuevo 2019, lleno de salud, alegría y rodeados por los que más nos quieren